Una película de animación con dibujo de marionetas, en blanco y negro, sobre un maravilloso cuento de William Burroghs (1914-1997), de su libro Interzon, leído por él mismo. El título original de la película y del cuento es The Junky's Christmas.
Un Yonqui (Junky) es un adicto a las drogas duras, especialmente heroína.
El autor, uno de los integrantes del grupo de escritores conocidos como Generación Beat (Beat Generation, que incluyó además, entre otros a Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Gregory Corso, Ferlinghetti) fue un experto con amplia experiencia personal en el asunto central de la película.
La traducción en el subtitulado es muy buena.
El productor fue Francis Ford Coppola.
"In the U.S. you have to be a deviant or die of boredom."
"En los Estados Unidos tenés que ser un desviante o morir de aburrimiento""
WILLIAM S. BURROUGHS
Dirección Costa-Gavras
Producción Jacques Perrin, Ahmed Rachedi
Guion Jorge Semprún, Costa-Gavras
Novela de Vassilis Vassilikos
Música Mikis Theodorakis
Fotografía Raoul Coutard
Montaje Françoise Bonnot
Protagonistas
Jean-Louis Trintignant
Yves Montand
Irene Papas
Jacques Perrin
Charles Denner
François Périer
Pierre Dux
Georges Géret
Bernard Fresson
Marcel Bozzuffi
Julien Guiomar
Magali Noël
Renato Salvatori
Una película de uno de los grandes del cine mudo, Friedrich Wilhelm Murnau. El guión de Hans Kyser se basa en el Fausto de Johann Wolfgang von
Goethe, de Christopher Marlowe y en un manuscrito de Ludwig Berger. No solo la producción literaria sirve de estímulo, sino
también la pictórica. Murnau toma cuadros de Caspar David Friedrich o de
Lovis Corinth como ejemplo para componer distintas escenas de la
película, así como las ilustraciones de August von Kreling para el
Fausto de Goethe publicado en 1885, que habían alcanzado una gran
popularidad hacia finales de siglo XIX y comienzos del XX.
Uno de los grandes relatos míticos de la Modernidad, quizás el de mayor valor fundante. Sí: constituye el fundamento del contrato fáustico. Como corresponde a un mito, enlaza a todo el tiempo civilizatorio de la humanidad. Lo explica y lo pone en crisis.
Una película sobre una de las parejas más famosas de la experiencia humana, concentrada en el período enero de 1944 (terremoto en san Juan) - octubre de 1945.
¿Lo dije bien?: ¿parezco algo distante?; ¿podría ser el comentario de alguien venido de otra Galaxia?
Intimista, descontraida, alejada de los clichés peronistas (en sus diversas variantes) y antiperonistas.
Bien por la directora, Paula de Luque. Más info en el sitio oficial.
Orson Welles explica en su documental "Filming Othello" todos los
problemas que sufrió la película. Recordando la inclusión de ésta en el
Festival de Cannes, y acerca de la nacionalidad del filme, declaraba que
"Comenzamos por perder la participación francesa, y al final no había
nacionalidad de ningún tipo. Othello era una película de ningún país. Lo
que significaba que no había forma legal de exportar o importar el
largometraje. La enviamos a Cannes sin esperanzas de entrar, ni mucho
menos de ganar [NOTA: Othello ganó el Gran Premio del festival] [...]
Marruecos fue así una bandera de conveniencia. Othello fue el primer y
último film que compitió en Cannes sin delegación nacional."; Othello
iba a ser la primera producción europea de Welles, pero su productor
italiano se declaró en bancarrota cuando Welles y su equipo estaban ya
en Marruecos a punto de empezar a rodar. La participación francesa se
frustró y Welles tuvo que actuar en numerosas producciones para poder
autoproducir el largometraje, cuyo rodaje sufrió muchas interrupciones y
se alargó durante 4 años por problemas de financiación. Tres años
después de su estreno y victoria en Cannes, United Artists la distribuyó
en Estados Unidos obligando a Welles a hacer numerosos cambios,
incluyendo el redoblaje de varios personajes. (FILMAFFINITY)
"Vecinos, vecinos: ¡un lobo ha llegado a la comarca"
En 1974, mientras la mayoría de los argentinos afrontábamos las fauces del Terror y una minoría se preparaba para apoderarse del estado y enseñorarse sobre la sociedad, Leonardo Favio estrenaba la gran obra del cine argentino y una de las más importantes del cine mundial.
Basada en un éxito del radioteatro de Delfor Chiappe, la película despliega una bellísima narración a partir del mito sudamericano del Lobizón.
Los amores de una rubia nos sorprendió en su estreno en Buenos Aires, allá por 1965 o 1966. Rápidamente entró en las exhibiciones del Lorraine. Y allí estábamos, yo con mis 16 o 17 años y un par de amigos más, quienes habíamos decidido que la mejor manera de hacer nuestro sexto año en el Colegio era dar el presente y luego escaparnos al cine. A ver películas de Fellini, Pasolini, Buñuel, Truffaut, Resnaus, Kurosawa, entre otros extraordinarios maestros.
Algo sabíamos de política, de la Unión Soviética, del estalinismo y sus secuelas. Sedguramente no sabíamos nada de Checoslovaquia.
Dos años después, Forman se tuvo que rajar de su país, donde los tanque soviéticos habían entrado y habían terminado con su primavera: la Primavera de Praga. Después vinieron sus años norteamericanos. Si todavía no vieron su Quién voló sobre el nido del cuco (1977) (en Argentina, Atrapado sin salida), después de ver esta, corran a buscarla.
En la década de 1960, algunos geniales directores de cine exploraron en profundidad el extremo imaginario de la burguesía. Fellini (La Dolce Vita), Buñuel (Belle de Jour) fueron algunos de los exponentes de esta exploración.
Aquí, Pasolini, extremista entre los extremistas, organiza nuestra mirada a la alta burguesía a través de la llegada de un huésped a a una mansión, donde seduce a -y se deja seducir por- todos los habitantes. Todos.
Una de las grandes películas de uno de los cinco grandes directores de la historia del cine.
Dentro del núcleo temático que exploró magistralmente en varias de sus mejores obras: el extremo imaginario de los burgueses.
Un tip: Severine -el nombre de la protagonista- es el femenino de Severin, el nombre del protagonista de Venus en pieles, la famosda novela decimonónica de Masoch -novela y novclista que le legaron parte (d)el nombre al (sado)masoquismo.
Si uno pudiera gozar durante una pesadilla, Eraserhead sería
la pesadilla que todos quisieran tener.
Año: 1976
País: Estados Unidos de Norteamérica
Director: David Lynch
Guión: David Lynch
Música: Peter Ivers
Fotografía: Frederick Elmes (B&W)
Reparto: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts
Productora: David Lynch / The American Film Institute for Advanced Film Studies
Un año antes, Resnais había estrenado Hiroshima mon Amour, dando comienzo a la Nouvelle Vague del cine francés, junto con François Truffaut y sus Cuatrocientos Golpes.
En Hiroshima (1959), la narración acudía al contraste entre las representaciones mentales (y sus expresiones discursivas) de los dos personajes para construir un fresco indescriptiblemente bello acerca del holocausto atómico que arrasó con una ciudad y sus habitantes en minutos. Resnais ya había incursionado con otro Holocausto de la misma época, que llevó más tiempo, pero mucho más terrible aún: el del horror concentracionario nazi. Fue a través de uno de los documentales más notables de la historia del cine: Noche y Niebla.
Ahora, en Mariembad, Resnais llega a una de las cumbres en la historia del cine. Dos planos temporales (la realidad filmada y la realidad recordada y dicha por los presonajes) se entrecruzan. Y se entrecruzan construyendo los mundos representados escénicamente en la película. Y todos debaten entre sí.
Una de las películas fundamentales del neorealismo italiano.
TÍTULO ORIGINAL: Ladri di Biciclette
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1948
DURACIÓN: 88 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Vittorio De Sica
GUIÓN:
Cesare Zavattini, Vittorio De Sica, Suso Cecchi d'Amico & Otros
(Novela: Luigi Bartolini)
MÚSICA: Alessandro Cicognini
FOTOGRAFÍA:
Carlo Montuori (B&W)
REPARTO: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola,
Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Giulio Chiari, Vittorio Antonucci
Una película que habla de ver películas, proyectar películas, hacer películas.
Giuseppe Tornatore, junto con Ettore Escola uno de los dos mejores directores del cine italiano posterior a los grandes de las décadas del '60 y '70 (Fellini, Visconti, Pasolini), tres años después iba a darnos una de las joyas de la historia fílmica: Stanno tutti bene.
God on Trial is a 2008 BBC/WGBH Boston television play written by Frank Cottrell Boyce, starring Antony Sher, Rupert Graves and Jack Shepherd. The play takes place in Auschwitz during World War II. The Jewish prisoners put God on trial in absentia for abandoning the Jewish people.
The question is if God has broken his covenant with the Jewish people by allowing the Nazis to commit genocide. [1]
The play is based on an event described by Elie Wiesel in his book The Trial of God, though Boyce describes this tale as "apocryphal".[2] According to Boyce, producer Mark Redhead "had been trying to turn the story into a film for almost 20 years by the time he called me in 2005 to write the screenplay."[2]
Pettie, Andrew (2008-08-30). "God on Trial". Telegraph. Retrieved 2008-09-04.
Boyce, F. C. (2008-08-19). "Losing my religion". Guardian. Retrieved 2008-09-04.
Chaplin fue acusado de ser sospechoso de ser comunista. J. Edgar Hoover, instruyó al FBI mantener extensos archivos secretos sobre él, desde 1942. En febrero de 2012 un archivo sobre Chaplin se abrió al público que reveló que el FBI había contactado al servicio secreto británico para proporcionarles información para prohibir Chaplin entrar a los Estados Unidos.
En 1952, Chaplin dejó los Estados Unidos para lo que se pretendía un breve viaje al Reino Unido para un estreno en Londres de 'Limelight'. Hoover negoció con el servicio de inmigración y naturalización para revocar el permiso de reingreso de Chaplin.
Chaplin decidió no volver a entrar en los Estados Unidos, escribiendo: "desde el final de la última guerra mundial, he sido objeto de mentiras y propaganda por poderosos grupos reaccionarios que, por su influencia y mediante la ayuda de prensa amarillista de Estados Unidos, han creado una atmósfera malsana en el cual individuos pueden ser señalados y perseguidos. En estas condiciones me resulta prácticamente imposible continuar mi trabajo de imágenes en movimiento, y por lo tanto he renunciado mi residencia en los Estados Unidos."
Manhattan, un clásico de la historia del cine, y Nueva York, la ciudad más cinematográfica del mundo.
Sensacional fotografía en blanco y negro y una autentica declaración de amor a nueva York.
“Él era tan duro y romántico como la ciudad que amaba. Tras sus gafas de montura negra se agazapaba el vibrante poder sexual de un jaguar. Nueva York era su ciudad y siempre lo sería”
(del blog cmv architects)
Con un argumento basado en la novela corta del mismo nombre de Gabriel García Márquez.
Dirigida por un director italiano con buen oficio, que aunque sin el vuelo creativo de los grandes del cine peninsular (Fellini, Pasolini, Antonioni) maneja apropiadamente la ambigüedad y el equívoco, en clave de humor inteligente.
La masacre de Tlatelolco (2008) es un excelente documental que compagina material fílmico, audio y fotografías de los acontecimientos, con entrevistas a protagonistas de los acontecimientos, periodistas e historiadores.
Abarca el período comprendido entre el 23 de julio (cuando se produce el primer episodio de represión policial contra estudiantes universitarios) y el 2 de octubre, cuando se produce la masacre (que da nombre a la película) en medio de la fenomenal represión con la que el gobierno buscó detener al movimiento.
Documental sobre la vida de Woody Guthrie, el cantautor viajero que pavimentó los caminos para Bob Dylan y Bruce Springsteen. Nacido en Okemah, Oklahoma, en 1912, Guthrie se convirtió en el vocero de toda una generación de noteamericanos oprimidos durante los años '30, con canciones incisivas como Vigilante Man, Pastures of Plenty y el himno de resistencia This Land is Your Land.
Documentary on the life of Woody Guthrie, the travelling songwriter and singer who paved the way for the likes of Bob Dylan and Bruce Springsteen.
Born in Okemah, Oklahoma, in 1912, Guthrie became a spokesman for a whole generation of downtrodden Americans during the 1930's with poignant songs like Vigilante Man, Pastures of Plenty and the anthemic This Land is Your Land.
Fahrenheit 451 es la temperatura a la que arde el papel de los libros.
La novela pertenece al tipo narrativo llamado distopía, que presenta un escenario de un futuro anti-utópico. Otras novelas distópicas son Un mundo feliz de Aldous Huxley, 1984 de George Orwell, La naranja mecánica de Anthony Burgess y El señor de las moscas de William Golding..
Para una caracterización humorística de las distopías, recomendamos el artículo de Inciclopedia.
NOTA:
Para ver la película, tienen que ir a este enlace.
Para activar los subtítulos en castellano deben pulsar el botón "cc".
Desde fines de julio de 1968 se produjo un imponente movimiento político y cultural en México, abortado por el Gobierno mediante una cruel represión que desembocó en la masacre de Tlaltelolco, el 2 de octubre.
Durante el movimiento, los estudiantes
del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad
Nacional Autónoma de México (UNAM) decidieron tomar la escuela, el
equipo y material a disposición y filmar los acontecimientos. El
resultado, ocho horas de imágenes, fue editado bajo la dirección de
Leobardo López Aretche para integrar este documental, único testimonio
fílmico desde el interior del movimiento.
Datos técnicos:
Una producción de: Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC)
Dirección: Leobardo López Aretche
Asistente de Dirección: Alfredo Joskowicz
Producción: José Rovirosa (jefe de producción)
Textos: Oriana Fallaci y Consejo Nacional de Huelga; voces: Magda Vizcaíno y Rolando de Castro
Fotografía: Leobardo López Aretche, Roberto Sánchez, José Rovirosa, Alfredo Joskowicz, Francisco Bojórquez, Jorge de la Rosa, León Chávez, Francisco Gaytán, Raúl Kamffer, Jaime Ponce, Federico Villegas, Arturo de la Rosa, Carlos Cuenca, Guillermo Díaz Palafox, Fernando Ladrón de Guevara, Juan Mora, Sergio Valdez y Federico Weingartshofer
Edición: Ramón Aupart
Sonido: Rodolfo Sánchez Alvarado; grabación: Paul Leduc, Raúl Kamffer y Rafael Castanedo; regrabación: Salvador Topete
Música: canciones de Óscar Chávez
Le signe du Lion es la cuarta película de este maestro del cine francés.
Inmediatamente anterior a La Nouvelle Vague ha sido injustamente opacado por las creaciones de los integrantes de este grupo (formidables por cierto: Resnais, Truffaut, Godard).
No se pierdan esta obra maestra de la dirección (con notables actuaciones en un reparto de actrices y actores sin gran cartel), muy buena música, atrayente guión. Ni que hablar de las excelentes fotografía en blanco y negro e iluminación.
Y de bonus track: Paris a fines de la década del '50, incluyendo las riberas del Sena, sus calles con autos de lujo, Citroens populares y carros a caballo, los bistrós, los vendedores callejeros y las ferias, entre otras imágenes. Una excelente recorrida por el Paris de mediados del siglo pasado.
"Inmundicia, inmundicia, inmundicia de Paris. Inmundicia de ciudad", dice el protagonista, en 1:03:20.
Frankenstein (conocida como El doctor Frankenstein en español) es una película de terror producida por Universal Pictures y dirigida por James Whale. Es una adaptación de la obra de teatro de Peggy Webling, que a su vez está basada en la novela Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley. Está protagonizada, entre otros, por Boris Karloff y Colin Clive. Tras su estreno se realizó una secuela titulada La novia de Frankenstein (1935), dirigida por el propio Whale.
El "Texas International Pop Festival" fue un festival de música que se celebro en Lewisville, Texas, dos semanas después de Woodstock, del 30 de agosto al 1 de Septiembre.
El festival fue ideado por Angus G. Wynne III, hijo de Angus G. Wynne, el fundador de la Six Flags Over Texas, famoso parque de atracciones. Wynne había asistido al Internacional Atlanta Pop Festival el dia Cuatro de Julio. Decidió hacer un festival cerca de Dallas, y se unió con el principal organizador de Atlanta, Alex Cooley, para llevar adelante este concierto.
Los artistas intérpretes en el festival fueron: Led Zeppelin, BB King, Canned Heat, Chicago (entonces llamado Chicago Transit Authority), Delaney and Bonnie and Friends, Freddie King, Grand Funk Railroad, Herbie Mann, The Incredible String Band, James Cotton, Janis Joplin, Johnny Winter, Nazz, Rotary Connection, Sam y Dave, Santana, la diadema de Shiva, Sly and the Family Stone, Space Opera, Espíritu, Sweetwater, Ten Years After y Tony Joe White.
No se sabe cuánta gente exactamente asistió al festival, pero se estiman entre 120.000 y 150.000. Como en Woodstock, no hubo crímenes violentos. Sólo hubo una muerte, debido a un golpe de calor.
North of
the festival site was the campground on Lewisville Lake, where hippie
attendees skinny-dipped and bathed. Also on the campground was the
free stage, where some bands played after their main stage gig and
several bands not playing on the main stage performed.
The Merry
Pranksters, Ken Kesey's group, was in charge of the free stage and
camping area. While Kesey was neither at the Texas event nor at
Woodstock, his right hand man, Ken Babbs, and his psychedelic bus,
Further (Furthur) were. The Hog Farm provided security, a trip tent,
and free food.
Para una excelente nota en inglés sobre el festival, ir aquí
Fue escrita por Favio y su hermano y
frecuente colaborador Jorge Zuhair Jury, y basada en el radioteatro
homónimo de Juan Carlos Chiappe.
El film protagonizado por Juan José
Camero (Nazareno) y Alfredo Alcón (el Diablo) trabaja sobre el mito clásico argentino del Lobizón, el Lobisome, el Hombre-Lobo.
La hora del lobo (Vargtimmen) Completa - Subtítulos en Español
1967
DIRECTOR Ingmar Bergman
GUIÓN Ingmar Bergman
MÚSICA Lars Johan Werle
FOTOGRAFÍA Sven Nykvist (B&W)
REPARTO Max von Sydow, Liv Ullmann, Erland Josephson, Gertrud Fridh, Ingrid
Thulin, Gudrun Brost, Naima Wifstrand, Ulf Johansson, Bertil
Anderberg, Georg Rydeberg
Sicko es el título en inglés de un filme de Michael Moore estrenado el 29 de junio de 2007. En el enlace, completa y subtitulada.
La película ofrece su particular enfoque del sistema de salud de Estados Unidos de América, poniendo énfasis en la crítica a las grandes compañías de servicios de salud estadounidenses.
En ella Michael Moore expresa inicialmente la realidad de los 50 millones de ciudadanos estadounidenses que no cuentan con ningún plan de cobertura médica, agregando que la película no va dedicada a esos 50 millones, sino a los más de 250 millones de estadounidenses que sí gozan de seguro médico, o que al menos creen estar cubiertos por grandes compañías aseguradoras.
Se desglosa en cuatro capítulos diferenciados:
Parte 1
En la primera parte se ve a varias personas con cobertura médica afectadas por las aseguradoras al negarles esta cobertura, como el caso de varias mujeres y una niña que mueren por falta de servicios, o de otras con varios tipos de cáncer que se ven obligadas a negociar con sus aseguradoras por los servicios médicos.
Parte 2
En la segunda parte, Moore detalla su explicación sobre el origen de este declive sanitario: En agosto de 1971 Richard Nixon y su asesor Edgar Kaiser acordaron degradar el sistema sanitario público, dando así origen al sistema privatizado de la actualidad.
Parte 3
Moore visita Gran Bretaña y Francia para comprobar cual es la cobertura sanitaria de los países que gozan de un nivel de desarrollo similar al de EEU.
Parte 4
En esta parte se muestra una contradicción del sistema: algunos de los bomberos y los socorristas voluntarios que ayudaron a las víctimas durante los atentados del 11 de septiembre de 2001 padecen secuelas crónicas del rescate. Mientras algunos de estos socorristas han perdido su cobertura médica, los detenidos por cargos de terrorismo en el Centro de detención de Guantánamo disponen de instalaciones sanitarias y personal convenientemente cualificado.
Con la intención deliberada de poner en evidencia a la administración Bush y al sistema sanitario estadounidense, Moore, en compañía de varios de estos socorristas afectados, fleta una embarcación con rumbo a La Habana. El objetivo de Moore en esta parte es mostrar que no solo países del primer mundo como Canadá, el Reino Unido o Francia ofrecen mejor cobertura sanitaria, sino que incluso un país como Cuba, tradicional enemigo de EEUU y permanentemente calificado por el gobierno estadounidense de tercermundista y comunista, puede ofrecer a sus ciudadanos un sistema de atención médica mejor que el norteamericano.
The Tank Man: El hombre desarmado que detuvo a una columna de tanques
El 4 de junio fue la
culminación de las protestas iniciadas el 15 de abril, con una feroz
represión. El 5 de junio, tras el desastre, ocurrió esta escena en Cháng An Dà Jie, o Gran Avenida de la Paz Eterna, a 200 metros de la Plaza.
El hombre se ha comvertido en una leyenda, con el nombre de The Tank Man.
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